Parfois, il m’est difficile de revenir sur les photographies que j’ai créées au début de ma carrière. Les tirs sont tous techniquement forts, mais il manque quelque chose. Cet élément manquant peut être défini comme la vision. Dans cet article, je détaillerai mon parcours dans la compréhension de la nécessité d’incorporer cet élément crucial dans mon art.
Au début de ma carrière de photographe, je me suis habitué à me voir attribuer les sujets et les scènes que je photographiais. Mes clients étaient des maisons de disques et des magazines de musique et ils connaissaient les clichés qu’ils voulaient quand ils m’ont embauché. Bien qu’ils me donnaient rarement une liste de plans écrite, je comprenais les plans spécifiques qu’ils voulaient. Si je photographiais un nouvel artiste qui signerait son contrat ce jour-là, le label voulait une photo de lui signant le contrat, une photo de lui levant les yeux en signant, et une photo commerciale de l’artiste debout aux côtés des personnages clés du label. Bien que le label ne demande pas une photo solo de l’artiste, je la prenais aussi parce que je savais que je pouvais vendre cette image par le biais d’une agence de photos. C’était mon approche de travailler pour des clients pendant de nombreuses années et il ne m’est jamais venu à l’esprit que la façon dont je photographiais ce type d’événement manquait de quelque manière que ce soit.
L’un de mes concerts préférés que j’ai été chargé de photographier régulièrement était un long métrage où je suivais un artiste hip-hop pendant une journée complète et documentais les choses qu’il faisait. Je me retrouvais à tourner dans une variété d’endroits tels qu’une bijouterie, un restaurant, une station de radio, un studio d’enregistrement et même la maison de l’artiste. Comme les lieux étaient visuellement intéressants et que les artistes étaient toujours élégants, les photos étaient toujours fortes. Je voyais mon rôle de photographe comme étant la personne qui documenterait ce qui se passait sans interférer dans ce qui se passait. Aujourd’hui, je me rends compte que je n’ai souvent pas assez transmis ma vision dans ma couverture photo.
Il y a une dizaine d’années, je me suis exposé au photographe, David duChemin. Il croit que l’équipement est bon, mais la vision est meilleure. Il est l’auteur de plusieurs livres qui incitent les photographes à réfléchir aux raisons pour lesquelles ils prennent une photo en particulier. Il nous demande d’examiner ce que nous disons de nous-mêmes et du monde qui nous entoure lorsque nous faisons des images. Pensez à votre vision comme étant la façon dont vous voyez le monde. En tant que photographe, votre vision doit s’exprimer dans votre photographie.
Avant d’être exposé aux écrits de David, ma principale préoccupation était de capturer des images qui plairaient à un éditeur ou à un client. Au fil des ans, j’ai commencé à réaliser que mon travail de photographe n’était pas simplement de documenter des scènes, mais plutôt de faire une déclaration sur cette scène. En sélectionnant un objectif spécifique, en utilisant une vitesse d’obturation non standard ou en expérimentant différentes manières de composer une scène, nous pouvons fournir un commentaire subtil sur cette scène. Imaginez que vous deviez photographier un concert dans un petit club vide à 90%. Vous pouvez utiliser un objectif grand angle pour montrer l’artiste sur scène et vous pouvez inclure une vue des sièges vides dans la salle. Ce cliché donnerait l’impression que l’artiste n’est pas très populaire. Ou, vous pouvez utiliser un objectif long pour ne montrer que l’artiste et vous pourriez donner l’impression que l’artiste est une superstar. J’avais toujours été au courant des options de composition qui s’offraient à moi, mais avant d’étudier les enseignements de David, je ne m’étais pas rendu compte à quel point il était important pour moi de réfléchir au message que je voulais communiquer avec mes images.
Aujourd’hui, plutôt que d’essayer de simplement documenter une scène, je vise à donner un aperçu de cette scène. Si je n’offre rien de plus que de documenter quelque chose, alors il n’est pas nécessaire de m’embaucher plutôt qu’un autre photographe. À une époque où il est plus facile que jamais d’utiliser une caméra, vos clients doivent comprendre que vous offrez plus que la possibilité d’utiliser cette caméra.
L’une des premières photographes que j’ai rencontrées à comprendre comment communiquer sa vision n’était pas une photographe professionnelle. Elle s’appelait June Ambrose et était une styliste de mode qui habillait des artistes et des mannequins dans des vidéoclips. J’ai été embauché pour prendre des images de BTS sur ces vidéos. Je la regardais prendre des photos avec son téléphone et j’étais fasciné par ce qu’elle choisissait de photographier. June s’est concentrée sur la mode. Elle a photographié des portraits en pied pour mettre en valeur la tenue à la mode que portait l’artiste. Elle a photographié des détails comme des boucles de ceinture, des montres et des bagues. Elle a prêté attention à des choses que je n’avais ni remarquées ni prises en compte.
Les images qu’elle a produites étaient très différentes de celles que j’ai produites. Contrairement à moi, elle n’était pas chargée de créer un volume de photographies qui documenterait tout le processus de réalisation de la vidéo. Au lieu de cela, elle avait la liberté de photographier tout ce qui l’intéressait. Ses photographies ont transmis le message que les éléments de mode de cette vidéo sont au point.
Au fil du temps, les vidéoclips sont devenus l’endroit où j’ai commencé à explorer ma vision. Parce que j’étais souvent sur le plateau pendant 10 heures ou plus, il y avait beaucoup de temps d’arrêt. J’ai pu me demander: « Qu’est-ce que je trouve intéressant ici sur le plateau? »Pendant les temps d’arrêt, je parlais avec les vidéastes et les figurants et je capturais des portraits d’eux. Nous avons passé un très bon moment à l’hôtel.Le personnel était très sympathique et serviable.Nous avons passé un très bon moment à l’hôtel. Avec le temps, j’ai trouvé un magazine qui achèterait ces photographies. C’était peut-être la première fois que j’étais payé pour ma vision et pas seulement pour ma capacité technique à utiliser une caméra.
Je comprends pourquoi David dit que l’équipement est meilleur que la vision, mais l’équipement a joué un rôle important dans mon développement en tant que photographe. Lorsque j’étais photographe de maison pour l’émission de télévision 106 & Park de BET, j’ai utilisé deux boîtiers Nikon D3s pour capturer les photos dont BET avait besoin. Ma liste de plans mentale pour chaque épisode comprenait au moins 20 types d’images différents que je devais capturer. Comme je photographiais 5 shows par semaine, je pouvais trouver un rythme et produire de manière fiable les clichés dont j’avais besoin de capturer chaque jour. J’ai commencé à utiliser le Leica M9 pour capturer des scènes qui m’intéressaient. Ces plans peuvent être n’importe quoi, d’un membre du public applaudissant, à un moment tranquille d’un artiste parlant avec un ami.
Si vous avez besoin d’une photo nette de l’artiste prise contre un mur blanc, je voulais capturer une photo plus intéressante de l’artiste faisant quelque chose en coulisses. Chaque jour, je retournais les images Leica avec les images Nikon, mais j’utilisais rarement les images Leica aussi en évidence que les images Nikon. Cependant, lorsque je montre un portefeuille d’images de 106 & Park, il se compose d’environ 80% d’images Leica. Les images Leica sont celles qui expriment le mieux ma vision.
Alors que ce fut un voyage pour moi de comprendre l’importance de la vision dans ma photographie, vous vous exprimez peut-être déjà pleinement. Si vous n’avez pas de clients qui demandent des photos spécifiques et que votre photographie est autonome, vous maîtrisez peut-être déjà bien le concept de vision. Mais, si vous êtes un photographe professionnel qui photographie un genre clairement défini — comme des portraits de personnes âgées ou des prises de vue à la tête, il peut y avoir une opportunité pour vous de communiquer quelque chose de plus avec votre photographie que ce que vous communiquez actuellement. L’hôtel est situé au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville, au coeur de la vieille ville. L’utilisation d’un appareil photo différent pour ces photos personnelles pourrait vous être bénéfique. Lorsque je prends des photos à la tête, mon appareil photo est monté sur un trépied. Si je devais utiliser un appareil photo portable différent pour capturer des photos à partir d’un emplacement de prise de vue différent, je pourrais produire des photographies différentes de ce que mon client attend. On ne sait pas où ces images peuvent mener. Permettez-vous d’explorer. Permettez-vous d’errer. Commencez par vous demander“ » Qu’est-ce que je trouve le plus intéressant dans la scène devant moi? »Ou « » Qu’est-ce que je pense de cette scène devant moi? »Ensuite, utilisez votre appareil photo pour aider votre public à comprendre ces questions.